Toshio Hosokawa: “Minha música combate o exotismo japonês superficial de 'Madama Butterfly' de Puccini”

Toshio Hosokawa nasceu em Hiroshima exatamente dez anos, dois meses e dezessete dias após o episódio mais terrível de sua história. No entanto, a destruição da cidade costeira japonesa por uma bomba atômica lançada do bombardeiro americano Enola Gay não marcou sua infância, embora a radiação tenha matado dois de seus tios. O compositor japonês cresceu em um ambiente marcado pelo silêncio diante da lembrança da tragédia. Ele se formou na Alemanha a partir de 1976, onde pôde contemplar sua cultura à distância e aprender as técnicas de vanguarda da música ocidental. Após retornar ao Japão, em 1989, ele escreveu sua primeira grande obra: Hiroshima Requiem , um oratório intenso que ele revisou e expandiu em 2000 como um memorial sonoro para dar voz àqueles que não a têm mais, com o novo título Voiceless Voice in Hiroshima .

O compositor japonês recebeu o décimo sétimo Prêmio Fronteiras do Conhecimento em Bilbao para Música e Ópera , concedido pela Fundação BBVA. Segundo o júri, ele é "um dos criadores mais originais e aclamados do nosso tempo", com uma "extraordinária abrangência musical, uma ponte entre a tradição japonesa e a estética ocidental contemporânea". Isso ficou evidente na última quarta-feira, 18 de junho, no concerto de homenagem aos vencedores oferecido pela Orquestra Sinfônica do País Basco, sob a regência de Fabián Panisello . O programa destacou o Concerto para Violino "Genesis" de 2020, de seu extenso catálogo de quase duzentas composições, como uma fusão ideal da tradição modernista ocidental e da sensibilidade japonesa, com a participação de sua compatriota Akiko Suwanai como solista.

Hosokawa recebeu o EL PAÍS no Palácio Euskalduna após o ensaio geral para o concerto. A entrevista, conduzida em japonês com a ajuda de um tradutor, começou com uma sincera declaração de humildade ao ver seu nome ao lado dos de John Adams , Arvo Pärt , Peter Eötvös , Philip Glass , Thomas Adès e George Benjamin : "Este prêmio é demais para alguém como eu", exclamou, juntando as mãos. Ele concluiu revelando detalhes de sua nova ópera, Natasha , cuja estreia mundial será em agosto no Novo Teatro Nacional de Tóquio . No entanto, na entrevista, o compositor explica em detalhes como construiu essa ponte entre a tradição japonesa e a estética europeia contemporânea, combatendo assim o exotismo superficial com que a música japonesa sempre foi tratada no Ocidente.

Pergunta: Você cresceu no Japão no contexto de modernização e ocidentalização pós-Segunda Guerra Mundial, onde a música tradicional japonesa era marginalizada.

Resposta: Sim, quando eu era criança, achava a música tradicional japonesa chata e insípida. Eu tinha uma profunda admiração pela cultura europeia e pela música de Beethoven, Mozart, Schubert, Stravinsky, Bartók e Debussy.

P. Foi por isso que você viajou para a Europa para se formar como compositor?

R. Isso mesmo. Fui para a Alemanha no final dos anos 1970. Então, conheci uma onda de compositores europeus que começavam a se inspirar em outras culturas, como a africana e a indonésia. Isso me fez revisitar minhas próprias raízes japonesas, mesmo à distância.

P. Foi uma viagem de ida e volta.

R. De fato. Graças ao meu treinamento na Europa, pude ouvir novamente a música das minhas raízes japonesas com outros ouvidos.

P. Mas o uso de outras culturas na música ocidental sempre foi um elemento exótico.

A. Minha música combate precisamente o exotismo japonês superficial do Ocidente. Por exemplo, em Madama Butterfly , de Puccini, não há uma compreensão profunda do Japão. Minhas composições demonstram a profundidade das tradições musicais japonesas.

P. Você está se referindo ao uso de dicotomias como “som-silêncio” ou “luz-escuridão”?

R: Sim, uso dicotomias no meu trabalho como parte das minhas raízes. É o que nós, no Oriente, chamamos de yin e yang. No Ocidente, essas dicotomias podem ser interpretadas como contrárias ou excludentes. No Oriente, temos uma percepção diferente, e os opostos se unem para formar uma entidade única e complementar. Essa é a ideia que quero representar na minha música.

P. Outro elemento que surpreende ao ouvir suas composições é a concepção vertical do tempo.

R. Claro, porque no Ocidente a concepção de tempo é horizontal. Você pode ver isso na música de Bach ou Bruckner, com aquelas construções sonoras lineares e arquitetônicas que nos permitem ver além. Mas no Oriente, temos uma concepção vertical, onde o som faz parte de um loop infinito no qual não vemos além.

P. Você poderia dar um exemplo, mesmo que não seja musical?

R. Claro. Nós, japoneses, amamos as flores de cerejeira, mas o momento mais belo não é no auge da floração, como seria para os ocidentais, mas sim quando as flores começam a murchar e as pétalas caem dos galhos das árvores. Na estética oriental, não nos interessa a vida após a morte, mas sim mergulhar na beleza daquele momento específico.

P. Como essas ideias se refletem no seu Concerto para Violino “Genesis” (2020), que foi apresentado em Bilbao e é dedicado à violinista Veronika Eberle e ao nascimento de seu filho Maxim?

A. A obra é uma meditação musical sobre o nascimento, a vida e a relação entre o indivíduo e o universo. A dicotomia entre solista e orquestra não é apresentada como opostos; em vez disso, o violino solo representa o ser humano ou a nova vida, enquanto a orquestra incorpora a natureza e o cosmos que cercam essa vida. A obra representa vários momentos, como a felicidade no útero da mãe, o momento difícil do parto ou um momento no final, quando os pássaros cantam, um momento de felicidade.

P. Achei muito interessante ouvir seu trabalho com a partitura, pois o violino imita efetivamente a orquestra no início, como crianças imitam o ambiente ao seu redor; depois, há momentos de solo em que forja sua individualidade e, no final, encontra sua feliz complementaridade com a orquestra. Como você vê o futuro da composição?

R. Para mim, compor é basicamente buscar e encontrar a voz profunda dentro de nós. Vivemos hoje em um mundo de imediatismo, onde usamos inteligência artificial para obter respostas imediatas. Mas a composição é o oposto. É o processo de buscar essa voz interior. E enquanto houver pessoas que busquem e queiram ouvir essa voz interior, a composição continuará tendo futuro.

P. Além de compor inúmeras obras de câmara e orquestrais, você também escreveu várias óperas que adaptam elementos do teatro Nô . Durante sua recente residência em Valência, pudemos assistir a uma versão semi-encenada de sua ópera de 2017, Futari Shizuka . Acredito que sua próxima estreia será outra ópera, intitulada Natasha , em agosto. Como você projeta suas ideias em um gênero tão ocidental como a ópera?

A. Minha nova ópera, Natasha, visa capturar o mar de sons, tanto palavras quanto música, que constitui a alma das pessoas. É o que em psicologia poderíamos chamar de inconsciente coletivo e, no mundo budista, de alaya . A ópera conta a história de dois protagonistas, Natasha e Arato, que foram forçados a emigrar e são forçados a uma peregrinação pelos infernos criados pelo mundo moderno: poluição, guerra, inundações, incêndios e vício. E cada inferno tem seu próprio som e música. Há um mar de plásticos, onde uso o som de plástico batendo, e no mundo do vício, adicionei ritmos de rock. Dicotomias complementares reaparecem, e o assunto é explorado em profundidade em vários momentos, embora, ao contrário de outras óperas, eu não use instrumentos tradicionais japoneses aqui.